Alex Partal, el pintor español que retrata la subcultura del cuero

Entre la disciplina y el placer nace su obra, que desde sus producciones más tempranas ha tenido esta temática presente. Entrevista

Por: Diego Villa Caballero
febrero 04, 2019
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Alex Partal, el pintor español que retrata la subcultura del cuero

Alex Partal, nacido en Málaga en 1989 y criado en Sagunto (Valencia), inicia estudios artísticos a los 12 años de edad. En 2007 comienza sus estudios de Bellas Artes. En 2013 se traslada a Colombia y comienza estudios de Artes Plásticas en la Academia de Artes Guerrero. Se gradúa en 2018 en la misma academia con Viris in Corium. En 2019 regresa a España.

Diego Villa: ¿Podrías hablarnos de tus inicios como artista?

Alex Partal: Yo siempre he tenido interés por el arte, lo que dibujaba en casa como entretenimiento fue trascendiendo y a los 12 años de edad le pedí a mi madre asistir a clases de dibujo y pintura extraescolares. A medida de que me iba metiendo más en el tema me di cuenta de que me quería dedicar al arte. En España estudié el bachillerato de artes, ya que está la opción de profundizar en diferentes áreas profesionales y después a los 18 años entré a la facultad de Bellas Artes de San Carlos en La Universidad Politécnica de Valencia.

En un inicio quería ser dibujante de cómics y me enfoqué mucho en aprender a dibujar anatomía, pero una vez llegué a la universidad en el segundo año de bellas artes, descubrí en la clase de pintura una técnica muy interesante llamada encáustica y me di cuenta de que realmente lo que me interesaba era la pintura y en tercer año profundicé mas en ella y cuando llegué a Colombia tenía claro que lo que quería era pintar.

D.V: ¿Cómo llegaste a Colombia y como ha sido tu proceso artístico aquí durante estos años?

A.P: Llegué por casualidad, sin conocer mucho del país. Sin embargo, tenía mi formación de estudios superiores a medio realizar así que miré los programas de varias universidades, pero no me interesó mucho lo que ofrecían y decidí entrar a estudiar en la Academia de Artes Guerrero, ya que tenía un programa más parecido a lo que estaba estudiando en España. A mí me interesaba más un enfoque clásico y en las universidades se concentran más en lo contemporáneo. El proceso en la academia fue muy bueno ya que al ser tan pocos estudiantes por materia, el profesor puede prestar mucha más atención y ayudar al estudiante a mejorar mucho más en su proceso identificando las carencias del estudiante haciéndoselas ver y así este progresa.

D.V: En la Academia de Artes Guerrero tuviste una experiencia como profesor de pintura, ¿qué puedes comentar sobre los jóvenes artistas colombianos que se están formando actualmente?

A.P: Al principio cualquier estudiante empieza con mucha ilusión una carrera de artes, pero cuando uno se da cuenta de sus propias limitaciones o cuando no entiende algo uno tiende a frustrarse y a no seguir esforzándose, entonces para mí el mayor reto ha sido poder mantener siempre alto el nivel de motivación; a pesar de que siempre he sido muy exigente, a veces demasiado, aunque no le exigiría a nadie más de lo que me exijo a mí mismo, esto termina reflejándose en la labor docente.

También soy consciente de que no todos los estudiantes van a terminar siendo pintores, pero lo interesante es que aunque no te vayas a dedicar a la pintura nunca sabes qué va a pasar después, entonces es importante que tengas una buena base en tu formación. Como el periodo de formación no es algo infinito, es muy importante poder exprimir al máximo tu experiencia en la academia para que termines siendo independiente.

D.V: ¿Cómo comparas a Colombia con España en lo relacionado con el acceso de oportunidades para un pintor y la difusión de su trabajo?

A.P: Creo que la ventaja de Colombia frente a España es la facilidad de salir del periodo formativo y entrar en el circuito profesional. Digamos que hay muchas galerías y oferta, pero por otro lado no llega a ser muy justa la relación que establece el mundo profesional con el artista, es decir, las condiciones para exponer, cobros de arriendo y ese tipo de prácticas. Otra diferencia es que la visibilidad que se consigue en Colombia pagando, en España se consigue a través de concursos porque una cosa que tiene España es que cada mes puedes encontrar de 5 a 10 concursos de arte, cosa que acá no pasa, ya que el ámbito de concursos y premios es demasiado reducido en Colombia por no decir que es casi inexistente.

También ocurre algo en España y es que si te interesa la pintura en espacios abiertos, en muchos pueblos al comienzo de la primavera se hacen concursos de pintura al aire libre, los cuales también representan una fuente de ingresos extra para profesores de pintura y pintores en general. Esto es algo que no he visto en Colombia.

D.V: El año pasado a finales de octubre tuvimos en Bogotá la feria de arte Artbo, ¿cuáles son tus impresiones respecto a este evento?

A.P: No podemos olvidar que Artbo es una feria de arte y que como tal lo que le interesa es mover dinero, al final muchos estudiantes vamos a la feria con la esperanza de ver algo de arte interesante pero no podemos equiparar a Artbo o alguna otra feria de arte con una visita a un museo porque la finalidad es completamente diferente. Ahora lo que yo percibo es que la tendencia de la curaduría de Artbo va muy en la línea de lo que se espera que un artista acabe haciendo en Colombia y eso ni es justo ni es honesto, porque el arte no es solo pintura o instalación o fotografía, el arte implica a todas las técnicas.

Aunque fue muy interesante que en el 2016 hubo un aumento considerable en la presencia de la pintura, de repente en el 2017 la eliminaron casi por completo y en el 2018 la tendencia fue exactamente la misma. Entonces hay algo en el concepto de Artbo que no termina de ser del todo claro, no sé si es que por haberme enfocado tanto en la pintura muchas puertas que se me han cerrado y por lo tanto no he podido llegar más allá o si es que hay que conocer a la gente adecuada, pero digamos que siempre es interesante que haya una feria de arte. También está la Feria del millón que enseña otro tipo de propuestas y va generando obra más asequible a todos los públicos, además considero que es una feria más honesta con el público general de lo que puede ser Artbo ya que esta última es una feria multimillonaria.

D.V: ¿Podríamos decir que en Artbo el tema de las relaciones públicas juega un papel importante para el acceso que tienen los artistas a un evento como ese?

A.P: Digamos que en el momento en el que hay un filtro eso ya va a mediar, porque si por ejemplo a un curador le gusta la instalación un escultor va a tener más difícil el acceso a Artbo e incluso en algunas galerías ya que estas pueden tener un perfil muy concreto de sus artistas y eso también puede cerrar puertas a la hora de presentarse en estos lugares.

D.V: ¿A qué pintores colombianos admiras?

A.P: Puedo mencionar a dos, el primero es Juan Antonio Roda (colombo-español) quien nació en Valencia pero después estuvo viviendo mucho tiempo en Colombia, con su trabajo tuve una experiencia muy bonita, viendo un autorretrato suyo casi me deshago en lágrimas, me atravesó y tuve que salir de la sala del Museo Nacional para no molestar al resto de los visitantes ya que fue una experiencia muy potente.

El otro artista que también admiro mucho es Darío Ortiz quien está a medio camino entre Colombia y México y siento precisamente que él como pintor acá no está tan valorado como puede estarlo en México, ya que allá ha tenido exposiciones muy importantes entonces eso también dice mucho de cómo se valora el propio producto en Colombia.

D.V: También sé de tu admiración por Joaquín Sorolla, ¿qué pintores internacionales te han influenciado?

A.P: Mis referentes más clásicos serían El Greco, Velázquez, Sorolla, Francis Bacón, Andrew Salgado y César Santos entre otros.

D.V: Tu colección Viris in Corium (Hombres en Cuero) tiene como eje central a hombres vestidos con prendas de cuero, esta imagen que ya fue trabajada por Robert Mapplethorpe en sus fotografías de la escena leather de Nueva York en los años 70 o en la obra de Tom of Finland y Domingo Orejudos (Etienne). En estos ejemplos hay una enorme fuerza sexual, sin embargo tú has decidido resaltar aspectos más íntimos y emocionales de los hombres leather, ¿cómo llegaste a incorporar esta diferencia?

A.P: Digamos que yo he tenido un interés por el cuero desde que tengo memoria, desde muy pequeño el tema del cuero me ha parecido interesante y atractivo pero sobre todo me ha parecido ropa muy bonita y estética. En España en los años 80 a la gente vestida de cuero se le relacionaba con las drogas por el tema del rock y la movida madrileña; yo al no tener ese prejuicio previo veía al cuero como vestimenta que me parecía muy linda.

A medida de que crecía fui enterándome de lo que había detrás de eso, conocí el concepto de fetiche y toda la diversidad que hay dentro de la subcultura. Sin embargo, yo no me considero una persona extremadamente sexual entonces quise enseñar una cara diferente de lo que era la subcultura leather, porque aunque es innegable que el tema sexual está presente en ella. ¿Qué le iba a aportar a la subcultura y al mundo del arte que otro artista hablara del cuero y el sexo? En ese sentido mis cuadros, si acaso, pasan por eróticos pero si quieres sexualidad ya están Tom of Finland y otros artistas que la trabajan.

Lo que me pareció más interesante era ofrecerle a la comunidad leather y fetichista en general unas piezas que realmente entren dentro del mundo del arte y que exista una universalización del tema ofreciéndole a la gente que no pertenece a la subcultura la oportunidad de conocer un poco más de que se trata. En definitiva yo he tratado en mi aprendizaje como pintor el relacionar la pasión por el cuero con mi oficio, digamos que este proyecto es el resultado de esa unión.

D.V: De esa colección mi pintura favorita es la titulada Martin, en la cual veo que se transmiten sentimientos de soledad, añoranza y ausencia. ¿Podrías hablarnos un poco más de esta pintura?

A.P: Yo he tenido la desventaja de no poder contar con modelos reales para este proyecto fundamentalmente porque la escena leather en Colombia existe pero es muy reducida, así que  encontrar modelos uniformados de los pies a la cabeza como se pueden encontrar en Europa o Estados Unidos es muy difícil (aquí se pueden contar con los dedos de una mano), entonces tuve trabajar con fotografías que además ni siquiera había tomado yo (a excepción de una). Por lo tanto uno de mis mayores miedos era que la fotografía fuera demasiado evidente en las piezas y que yo no pudiera superar a la fotografía y cuando hablo de superarla no me refiero a hiperrealismo sino a que la pintura se viera como tal. Entonces tuve que realizar un par de acciones en cada imagen para ajustar la composición y que eso contribuyera a que los cuadros dijeran lo que yo quería decir.

Precisamente en la foto de Martin el modelo original estaba situado mucho más al centro, yo desplacé la figura hacia la izquierda para dejar un hueco en el sofá y la mirada del personaje va dirigida a ese hueco, justamente esto nos está hablando de una cuestión más romántica y melancólica de lo que uno puede imaginarse, ya que la idea más recurrente al ver a un tipo vestido de cuero es la del sexo y el cuadro lo que nos está diciendo es que esa persona tiene sentimientos, que está llena de melancolía y echando de menos a alguien.

D.V: ¿Cómo es el proceso de selección de tus modelos?

A.P: Con los modelos me pasa lo mismo que con las pinturas que me gustan, tiene que ser alguien que me deje atontado al verlo, es decir el cuero también tiene una parte de actitud y de presencia, pienso que la persona debe llevar el cuero y no al revés. Se puede tener el mejor cuero confeccionado pero puede que no te quede bien o no estés hecho para él.

Entonces los modelos que suelo escoger no tienen una característica concreta en el sentido de nacionalidad, edad o forma. Digamos que yo voy al conjunto, aunque no he tenido la oportunidad de que la obra sea más variada y es cierto que a veces hay patrones estéticos que se repiten pero cuando la línea se abra más y tenga más piezas realizadas espero que haya más diversidad. Respecto a la nacionalidad de los modelos he podido trabajar con españoles, alemanes, ingleses, franceses, estadounidenses y australianos. Así que no tengo un filtro específico sino que el conjunto del modelo me tiene que comunicar algo.

D.V: La representación de la figura humana en el arte (desde la antigua Grecia) ha tendido a exaltar notoriamente la belleza de la juventud. En tu trabajo representas hombres leather de todas las edades aunque hay una marcada tendencia a la representación de la belleza masculina en la edad madura. ¿Cómo podemos interpretar esta característica de tu trabajo? 

A.P: Es cierto digamos que una persona que sea buena identificando edades podría decir que todos los modelos están desde los 30 años y sobre todo entre los 40 y los 50. Creo que eso está relacionado con una cuestión de atracción, posiblemente me siento más atraído por hombres de ese rango de edad y eso termina reflejándose en las pinturas, pero repito que el criterio tiene que ver con la apariencia total del modelo no es algo relacionado exclusivamente con la edad.

También pensemos que el mundo fetichista en general (no solo el leather) es costoso y una muy buena chaqueta de cuero puede costar cerca de 3.000 dólares y seguramente un chico de 20 años por mucho que le guste el cuero no tendrá el capital para comprarla. Por eso uno empieza con un armario muy escaso y medida de que va labrándose un futuro puede costearse más cosas.

D.V: Tu trabajo tiene como tema central la figura masculina pero también has trabajado la figura femenina, ¿percibes diferencias en el proceso de representar a las mujeres?

A.P: Hasta ahora me he quedado en la parte de la representación masculina porque era lo que me resultaba más cómodo y agradable además me he limitado mucho al ejercicio del retrato en esa línea, sin embargo quiero intentar que la cuestión del retrato no sea tan principal en la producción y al intentar abrir más el concepto es posible que la figura de la mujer aparezca a futuro, pero no es una cosa que me haya preocupado mucho.

Hasta ahora mi producción se ha centrado básicamente en la representación de la figura masculina y cuando ha aparecido la figura femenina ha sido en ejercicios para clase, lo cual tampoco me parece algo terrible porque pintores pintando mujeres hay un montón. Igual uno puede decir una cosa y el destino te trae otra y si sigo una línea narrativa más clásica si es posible que empecemos a ver pronto la figura femenina e incluso está la posibilidad de que esa figura no sea la de una mujer, podrían ser Drag Queens ya que también ahí existe mucho material.

D.V: Por último, ¿qué planes tienes para el futuro?

A.P: Bueno, regreso a España el 25 de enero y espero en septiembre de este año poder retomar y terminar mis estudios en bellas artes en la Universidad Politécnica de Valencia y es posible que si todo sale bien incluso realice una maestría. También tengo muchas ganas de comenzar a participar en concursos porqué esa fue la mayor motivación para regresar a España, porqué muchos concursos de arte son para gente joven y si tienes más de 30 años no te dejan participar y estoy próximo a cumplirlos. Quiero además comenzar a darle vida a la tienda online en www.alexpartal.com para vender piezas.

Por otro lado, quiero ver qué depara el futuro después de estos 6 años de experiencia, porque el Alex que regresa ahora a España no es el mismo Alex que llegó a Colombia en el 2013, entonces quiero ver qué puedo sacar del bagaje que he acumulado estos años.

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